Habemus Programa anual de Concerto da Orquestra Sinfônica de Sergipe

Saiu ontem no site oficial da Orquestra Sinfônica de Sergipe e muito me alegra o entusiasmo com o qual o site descreve a série de concertos da temporada 2013. Há muita coisa interessante, há muitos desafios musicais e alguns tantos retrocessos. Bom mesmo vai ser finalmente começar a ver a música sergipana em questão como a homenagem à música popular brasileira e sergipana- Brasil Sinfônico (no mês de Junho) em que parte do programa será dedicado à obra do grupo sergipano Cataluzes. Assim como também podemos ficar de olho em acontecimentos inusitados e não menos grandiosos como as Variações sobre temas Rococó do Tchaicovisky, a finalmente aguardada (e tão ausente por tanto tempo) Sinfonia 40 do Mozart e o programa inteiro da série Laranjeiras I, por dois motivo: será o concerto que levará a Orquestra do céu ao inferno. Dentre tantos convidados e homenagens e o importante espaço que finalmente é dado à música popular nordestina nos festejos dos santos juninos.

De toda sorte, e a quem deseja já ir se preparando para algum eventual programa que mais lhe agrade, vale conferir e divulgar o programa anual de concertos aqui. Por hora, deixo o programada da série Mangabeiras I que acontecerá no próximo dia 4 de Abril de 2013 no Teatro Tobias Barreto:

Mangabeiras I

04 de abril de 2013

Mangabeiras I - Teatro Tobias Barreto
4, quinta-feira, 20h30
Festival Latino-Americano – Brasil Sinfônico

GUILHERME MANNIS, regente
QUATERNAGLIA, quarteto de violões
José Pablo MONCAYO
Huapango
Leo BROUWER
Gismontiana
Heitor VILLA-LOBOS
Bachianas Brasileiras nº2

Fonte: http://www.orquestrasinfonica.se.gov.br/

A alma Mahleriana chamada Claudio Abbado

Claudio Abbado

O monstro é como pedra rolada num terreno íngreme e com final indecifrável, é nada sem seu mentor. Assim como a vida que flui de uma obra musical especifica só tem alma quando posta sobre mãos cuidadosas e atentas. Há quem diga que as mãos do italiano Claudio Abbado nunca foram firmes, e que sua fala amistosa, suas posições marcadamente democráticas eram atavio ao fato de que o maestro tenha tido a dura missão de suceder em 1989 o Maestro e ditador austríaco Herbert Von Karajan a frente da Orquestra filarmônica de Berlim. Poderia seguir esse texto demonstrando vida e obra desse grande gênio da batuta, de modo a fazer uma volta analítica e explicar sua veia artística (já que era filho do famoso violinista e compositor Michelangelo Abbado) de como ainda pequeno frequentava as principais salas de concerto, ou de como fazia parte dos ensaios de concertos e neles viu a dinâmica severa de liderar um grupo orquestral , como quando relatou sentir-se repelido da ideia de regência por ver na figura abusiva e tirânica do grande Maestro italiano Arturo Toscanini para com os músicos. 

Tudo isso desenha enorme sentido ao grande nome que Abbado representa para a música erudita contemporânea. Através de seu posicionamento polido e não menos enérgico conseguiu manter-se a frente da principal orquestra em atuação que se conhece: Filarmônica de Berlim por 13 anos e não só. Foi líder de tantas outras tão importantes e expressivas quanto: Orquestra Sinfônica de Londres, Diretor musical da ópera estatal de Viena, do Teatro Alla Scalla de Milão...  Esteve acima, viu a glória, sofreu ataques e oposições de quem o julgava já ultrapassado. Em 2000 foi diagnosticado com um câncer de estomago e em seguida sua demissão da Filarmônica de Berlim. Todos esses fatos poderia ser o foco principal deste argumento sobre o qual discorro. Mas sinto ser mais importante identificar de que forma o Maestro Claudio Abbado fez existir o poeta romântico tardio Gustav Mahler.

É indizível a compreensão que existe da obra, do espírito e da materialização da alma do Mahler quando postas sobre a batuta do Abbado. Sem o apuro delicado com o qual o maestro desengavetou a importância da obra do compositor austríaco, possivelmente ele fosse ainda visto como poeta menor, marcado apenas por ligar a música do século XIX ao período moderno. É sobremaneira o casamento perfeito entre a grandeza das sinfonias e canções malherianas (sobre tudo a canção da terra Das Lied Von Der Erde)  a doçura arquitetônica do Abbado fazê-los estar juntos como um só diante de qualquer plateia. Isso tudo só tem sentido quando entendemos a demanda de trabalho a qual dedicou o Maestro Abbado em toda sua carreira a ler a obra do Austríaco Mahler. Ele não só oportunizou espaços para que fossem executadas as suas obras como deu importante espaço de divulgação através da gravação de suas principais peças e também não deixando que em seus principais concertos Mahler estivesse representado. Não vejo pecado nesse sentido. 

Dedicar-se como o fez a obra de Gustav Mahler só contribuiu para que o homem por trás da casaca e da batuta fosse sendo desconstruindo o mundo e os estigmas que lhes impuseram. Se lhe faltava tirania, acentuava-se nele a percepção leve de que qualidade não se exige aos berros ou com atos institucionais que tolham a liberdade, a mesma liberdade que o fez não se prender apenas à obra do Mahler.

Abbado é antes de tudo um visionário que prima pela qualidade. Não se deixou prender a um compositor apenas, e embora tivesse nítida predileção sobre a obra do Mahler, sabia a importância de passear por outras escolas, outros períodos. Fato esse que o fez como último ato frente à Filarmônica de Berlim, a série das nove sinfonias do Beethoven. Gesto que demonstra sua prudência diante dos espaços em que se coloca. E embora também esteja visivelmente marcado em sua gestão o espaço atento para a execução de obras mais modernas que barrocas, não deixou de lado a atenção para autores mais batidos como Rossini, Shubert, Mozart. 

O que o difere nesse sentido, é a voluptuosidade com a qual consegue confrontar toda a verdade que existe por trás do Mahlerismo e quando se dispõe a reger uma obra sua, o faz como um exercício espiritual. E essa alma sempre será prestigiada como quando voltou a reger a Filarmônica de Berlim para a gravação da 6 Sinfonia do próprio Mahler e que essa mesma gravação lhe rendeu o premio de Melhor Gravação Orquestral e Gravação do Ano em 2006 da revista Gramophone. A Academia da Orquestra Filarmônica de Berlim estabeleceu o Claudio Abbado Composition Prize em 2006 em sua homenagem. Sua postura caquética, débil e os gestos tão suaves e aparentemente fracos diante dos gigantes músicos, não o derrubam nem por um segundo. É visível que reger uma obra de quem a admiração chegou antes da obrigação de pautá-la por modismos, faz diferença célere em relação a recepção do que se executa. 

O cansaço aparente, o fôlego que falta toda vez que vejo uma execução sua diante da obra do Mahler me faz repousar tranquilo na certeza de que se existe arte, ela foi feita para os que a sabem tocar. E não afasto a certeza de que a arte deva ser partilhada e consiga alcançar os subsolos das camadas sociais, é inclusive um dever de quem promove a arte, mas entendo com essa fala que é preciso mais que alma para se debruçar sobre uma peça sinfônica. É muito mais que a compreensão do período, da escola, das características analíticas e tão claras que qualquer estudioso da música possa identificar, é ir além de toda essa obviedade que vejo mergulhada a contemporaneidade musical e tomar para si como sendo de fato seu. E não no sentido da posse, mas de sentir-se afagado pelas mãos que um dia escreveram tais preciosidades. É entrar em seu espírito como sendo um fiel companheiro que mais escuta que fala, e fazer do seu estrado, da sua batuta, do seu silêncio quase vultoso (como vejo sempre o Abbado) um diálogo primoroso entre a razão e o espírito quebrantado de alguém que já não está mais presente, aparentemente.

Um dia me falaram sobre os reis, as leis e a dor, ou de quando eu prefiro ser um idiota para não me importar com as propagandas enganosas. O ano musical começou ontem em Sergype Del Rey: Certamente teremos muito mais danças, gastos estratosféricos, e pouca qualidade orquestral. Estamos indo de volta pra casa?

1. O único respeito que ainda resta a Orquestra Sinfônica de Sergipe (ORSSE) se dá pelo trabalho duro de seus músicos. Pela resistência ao desconforto natural de executar de maneira pífia algo que nem de longe fora lapidado. Se algo neste concerto de abertura de temporada não foi perdido, unicamente foi a defesa natural que cada músico fez de si ao tocar de maneira tão célere. E foi agradável em certos pontos. Conseguiu prender no primeiro ato e de lá pra frente só nulidade.

2. Acreditei ainda esperançoso que a Abertura da Temporada 2013 da ORSSE fosse ser um indicativo de mudanças e melhorias. As mudanças foram faladas, mas me parecem exatamente limitadas e mentirosas.

2.2 Por falar em mentira, não entendo porque cargas d' água o povo sergipano insiste em não preservar a memória. É mais fácil acreditar no que é veículo de propaganda. Já dizia o ministro de Defesa do Hitler: Uma mentira contada várias vezes torna-se verdade. Fato. Afinal de contas, qual a necessidade de afirmar que o CD em homenagem ao Villa Lobos (gravado em 2009 e lançado ontem) fora o 1º da ORSSE? Só não sabe quem não quer saber que em 2006 fora distribuido de fato o primeiro, gravado entre 2005 e o ano seguinte: Lembro exatamente o dia da gravação: era a 9ª do Beethoven e o Sibelius sob a Regência do Maestro antecessor. A não ser que de fato eu esteja equivocado e ficaria imensamente feliz que alguém se dignasse a me mostrar meu erro. Pode ter certeza de que Abrirei um imenso espaço neste blog para admitir minha falta. Isso não deveria ser um campo de batalha, mas se em toda guerra necessitamos sangue, que não seja o meu a ser derramado!

2.3 Só para desencargo de consciência: Referência a gravação do 1º CD da ORSSE .

3. Sim, sei exatamente que terei que passar mais um ano escutando que escrevo por encomenda, que meu apreço por essa visão colérica é o que movimenta a máquina deste blog, e não vai me irritar mais que o fato de que tolo é quem realmente acha que para além de alguma predileção a verdade simples dos fatos é que vá ser importante. Me nego a acreditar que para que um trabalho seja qualitativo seja necessário desconstruir algo que é parte da história. A ORSSE de hoje é um produto vistoso e que desejo a cada dia que vingue. Mas que vingue dentro da possibilidade de não esquecer que para os jovens que hoje fazem parte da própria orquestra, tudo o que vivemos em termos de repertório e construção musical desde 2004 não pode passar com irrelevância, e tão somente por sabermos que ali foi o começo dessas portas que hoje são amplas. Ora, então creditar a criação de tantas coisas que antes apenas não existiam e não eram acessíveis como hoje o é, é diminuir o trabalho de quem se põe agora? E nisto não estou pondo como confronto a qualidade musical daquela antiga Orquestra, ou a de hoje. É  apenas uma percepção rasa de que cada tempo é determinado para uma finalidade e disso fazem parte questões analíticas as mais diversas. Dinheiro, apoio, prestigio, propaganda, conduta... Imagina só a desconstrução da OSESP só pelo consenso de que o grande maestro John era um déspota? 

4. Tive a infelicidade de escutar do maestro titular da ORSSE em seu discurso de abertura da temporada, menção ao fato de inovar sempre, trazer novidades e blá blá blá blá que não se aplica. Em sete anos, acredito que os únicos dois que foram realmente positivos fora o de 2009 e o de 2011. E falo em termos de qualidade e não de propaganda, afinal, são sete anos mais do mesmo. Dedicar parte de seu repertório à execução de obras da tradição junina não deveria ser pautado como esmola ou favor. É a minima coerência que se retribui a quem lhes paga o salário e mantém ativo. Privilegiar artistas da casa é no minimo fazer uso do bom senso: São artistas, músicos, profissionais que estão aí a prova justamente para isso. Ópera, sinfonia grande de Schubert ou a rainha da inglaterra tocando alaúde no palco do teatro Tobias Barreto, não importa nada, nada disso tem razão se não existir de verdade uma predisposição a entender de que maneira, quais os caminhos são necessários para uma aproximação entre orquestra e público!

5.  Aliás, embora meu desgosto seja aparente, ainda não desisti de acreditar que tanta coisa possa ser diferente. A começar pelo espaço dado ao uso de nossos músicos como solistas. A equação é simples: se temos um bom pianista, algumas boas cordas, uma boa percussão, metais agradáveis dentre cantores e coralistas. Se essas pessoas tiverem seus potenciais explorados não precisaremos gastar a cada bimestre dinheiro convidando nomes de fora. E que fique claro, não é convite, não são valores ínfimos: é contratação e pautada pelo valor cordial que cada um impõe... É também o desejo de ver tantas boas obras serem tocadas de verdade (ao invés de querer ressuscitar uma Pétrouscha tão comodamente morta), de ver tantas obras eruditas que são bem mais eficientes em dialogar com o público e formar plateia. Ontem o teatro estava vazio (levando-se em consideração a importância da apresentação) ao contrário do que apregoou o Maestro Guilherme Mannis. Isso deveria não alegrá-lo e sim refletir sobre o porque de mesmo passados sete anos, a ORSSE não ter sua casa cheia como rotina.

Pão e Circo sim! Mas pão doce e circo de qualidade.

Vários amigos assim como eu próprio seguem o coro dos que não comungam de tanta afeição pelo violinista e show man francês André Rieu. De fato o tom circense e tão célere em suas apresentações me deixam as vezes (a maioria delas) atordoado com a mudança abrupta de melodias e gêneros musicais. Essa falta de formalidade estética, essa aparente falta de comprometimento com as linhas mais conservadoras de promover música, veio por terra quando o escutamos afirmar emocionado, como o fez essa noite num especial gravado e exibido pela Rede globo de televisão, afirmando que era feliz por ter escolhido a mais bela profissão do mundo. A de ser músico. E ainda arrematou dizendo desejar poder passar ainda muito tempo tocando ao lado de sua orquestra. Sim, sua orquestra!

É bem imaginável que para seguir por tanto tempo nessa linha de conduzir a música clássica por um caminho estritamente popular (no sentido da concepção de show) Rieu precisasse criar um grupo seu, com suas características qualitativas e disponibilidades de viagem. Não é de se pensar que todo músico se proponha a fantasiar-se, dançar ou mesmo receber com felicidade interferências constantes da plateia durante as apresentações. Em seu site de divulgação o Violinista explica "Eu e a minha orquestra somos quase como um casal. Não posso estar sem eles e eles não podem estar sem mim. Quando andamos em digressão, divertimo-nos imenso. Além da forma profissional como trabalhamos, considero isso muito importante. Se não conseguimos viver em felicidade e harmonia, como poderemos realizar concertos maravilhosos em conjunto". E deve também a isso o sucesso do grupo. A resposta rápida e o diálogo constante com o que mais importa na hora de um concerto. A plateia. 

Ainda assim para além de qualquer defesa, já que reconheci no início deste post que André Rieu não me apetece quanto poderia. Não posso deixar de reconhecer a importãncia de seu trabalho na difusão da música erudita. na forma com a qual toca uma obra e de maneira inteligente e sensível consegue fazer exalar os sentimentos nas pessos presentes em suas apresentações. Foi o que vi. Foi o que me motivou escrever. Porque na apresentação em questão pude perceber e me emocionar ao sentir tocadas pelas melodias tantas pessoas ali atentas. 

Foram duas oportunidades em particular. A primeira com a Ária Nessun Dorma (ninguém durma) do compositor italiano Giácomo Puccini, extraída da ópera Turandot e tão bem executada a fim de emancipar-nos à percepção de estarmos num quarto frio, olhando as estrelas e tremendo de esperança como a personagem central da ópera. O choro derramado e compartilhado em muitos na plateia é o divino sinal de que a música, no fim de si mesmo é o que mais importa. Que quando se a escuta, não importa a roupa, nem menos se o grupo detém nome de prestígio. A música precisa unicamente dialogar com os vários sentimentos guardados em nossas entranhas. E justamente por isso me emociono ouvir a canção brasileira Manhã de carnaval (Marcelo Bonfá), tão bem amaciada pelas três cantoras do grupo Carla Maffioletti, Kimmy Skota e a Paulistana Carmen Monarcha. 

Sempre que vejo um grupo de outro país executando nossas músicas tenho a impressãode que são quadrados, que não conseguirão nunca entender nosso balanço. Mas as batidas do violão num ensaio prodigioso de boa bossa nova, a delicadeza das vozes cantando a manhã de um carnaval que não é passageiro, e a plateia num coro silencioso de atenção e reconhecimento de algo seu por natureza, me fez imaginar que sim, existe compreensão da dimensão grandiosa que são os nossos ritmos. Nossa música ecoa. E mais importante que divagar sobre sua construção e efeito, é sentí-la como espelho. 

Se eu pudesse nomear algo, nomearia o cd do Daniel Guedes e Mario Ulloa, e o chamaria Dulzura!

Não haverá nunca presente melhor que aquele o de ser apresentado a algo que se desconhece como forma de aproximação e entendimento. Esta semana começou para mim no sábado quando em meio a muita conversa e apenas um suco num restaurante mexicano em Aracaju, fui presenteado com o cd duo do Daniel Guedes( Professor de violino da UFRJ) e Mario Ulloa (Professor de violão clássico da UFBA) e embora eu o tenha conhecido um tanto quanto tarde, foi um arrebatamento. É bem verdade que já havia lido sobre, e embora não o tivesse escutado por completo percebi com calma no meu quarto que há algo de amor nas faixas que encorpam este cd sem nome, ou que os nomes dos seus autores sejam já prenúncio de qualidade.

Com ampla trajetória nacional e internacional, o costa-riquenho Ulloa – radicado há 20 anos na Bahia – e o carioca Guedes atuam respectivamente como professores da Universidade Federal da Bahia e da Universidade Federal do Rio de Janeiro, além de intensa atividade como recitalistas, solistas e cameristas. A afinidade e o interesse comum pela música instrumental brasileira fez com que em 2008, durante o FEMUSC, nascesse o duo que agora lança seu primeiro compacto, gravado sob os cuidados de Sérgio Lima Neto, no Estúdio Araras (Rio de Janeiro), e apresentado pela gravadora RobDigital.

Gosto sobre maneira deste Cd por duas perspectivas. A primeira,  por apresentar um repertório que é um passeio em nossa música, nossa arte brasileira de melodiar à vida. O Cd vem repleto de pérolas como Chico Buarque, Edu Lobo, Guinga, Tom Jobim, Ary Barroso, Dorival Caymmi, Danilo Caymmi, João Bosco/Aldir Blanc, Cartola, Lamartine Babo, Cristóvão Bastos e Pixinguinha, em apoteóticas leituras de clássicos como Beatriz (numa mistura lasciva com o Smille do Chaplin), Valsinha, Maracangalha, O bem e o mal dentre outras não menos figurativas e densas. Essa seleção por sí só já me daria o trabalho de ter que elaborar imensos parágrafos para falar sobre a importância em escolher um repertório que vá ter vida nos ouvidos de quem os escuta. Mas pulo desse aspecto indubitável e coloco o que para mim é o segundo aspecto de maior valor.

Geralmente não gosto de Cd's de artistas consagrados fazendo leituras de algo de maneira solística. Me parece menos meritocrática suas poses virtuosísticas. Ou em outras palavras, tendo a ter uma recepção nada agradável quando os ouço em harmonizações exageradas, como um ato de afirmação de sua potencia técnica sobre o instrumento, ou de quando exageram na deformação ritimica e melódica das peças em questão. E quando o digo, não é por não compreender a liberdade que cada artista tem de imprimir sua identidade sobre o que está posto. Não. Ainda assim, me incomoda o ponto deformativo destes arranjos, da falta de sensibilidade em perceber que o Cd não é apenas produto dos que já conhecem a arte em questão, mas sim um portifólio único para captar a atenção de uma parcela muito significativa da população que ainda não conhece muito sobre a música erudita ou sobre leituras erudito-populares de algo que ales já escutaram em algum momento e que agora se apresenta de maneira didaticamente envolvente. É necessário algo de alma, algo de entendimento sobre a brutalidade e a doçura com a qual se amacia as notas e as envolve de sentido.

Foi assim que me surpreendí quando ao escutar esse duo de violino e violão eu entendi que para lém dos pragmatismos o qual mergulhei meus ouvidos, existe docçura do início ao fim neste projeto. Cada faixa, sem exeção consegue envolver de maneira branda. O que dificulta a eleição de uma faixa chave na seleção de 11, e mesmo quando meu apuro parece querer recharçar os acordes iniciais da Valsinha, os segundo seguintes que envolvem paixão e mistério me fazem parar longos minutos a pensar que junção genial a de dois instrumentos tão antagonicos em nossa concepção burra de enxergar os espaços de transito deles na música. E que junção agradável e doce como as águas do abaeté (que sinto como se fossem reais em mim toda vez que escuto O bem e o Mal do Danylo Caymmi) essa a de estarem postos como um e ainda assim planarem sobre nossas cabeças como identidades bem postas e arraigadamente brasileiras (Porque aqui, vejo o Ulloa mais brasileiro que nunca).

A quem interessar saber: 

1. Beatriz (Chico Buarque e Edu Lobo)
2. O bêbado e o equilibrista (João Bosco e Aldir Blanc)
3. Senhorinha (Guinga e Paulo César Pinheiro)
4. Valsinha (Chico Buarque e Vinícius de Moraes)
5. O bem e o mal (Danilo Caymmi e Dudu Falcão)
6. Lamentos (Pixinguinha e Vinícius de Moraes)
7. Todo o sentimento (Cristovão Bastos e Chico Buarque)
8. Luiza (Antonio Carlos Jobim)
9. No rancho fundo (Ary Barroso e Lamartine Babo)
10. As rosas não falam (Cartola)
11. Maracangalha (Dorival Caymmi)

Tem pra todos os gostos os concertos de abertura da temporada 2013

Cláudio Cohen

Depois de uma exaustiva busca e dando aquela garimpada, achei justo compartilhar com os leitores do violino de gravata algumas das principais aberturas de temporada 2013 das orquestras brasileiras. Vale ressaltar que muitas das orquestras sinfônicas que eu gostaria de apreciar o cardápio ( como os quatro grupos sergipanos : ORSSE, OSUFS, OSI e OSVC) ainda não dispõe de seus programas devidamente publicizados.

 Tudo isso para explicar que não é por demérito que não estejam listadas, assim como compreendo que é um processo de arrumar a casa para então centrar o Programa. No mais vale ir conferindo algumas delas e não deixando de ficar de olhos nas promoções aéreas que sempre estão disponíveis.

Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo

28-02-2013

Regente: Marin Alsop  

Jean-Yves Thibaudet: piano

Richard STRAUSS

Till Eulenspiegels lustige Streiche, Op.28

Maurice RAVEL

Concerto Para Piano em Sol Maior

Guillaume Connesson

O Iluminado - Concerto Para Piano

Richard STRAUSS

Assim Falou Zaratustra, Op.30

Orquestra Sinfônica da Bahia 

28-02-2013

Regente: Carlos Prazeres

apresenta o Concerto de Abertura da Temporada 2013 sob a regência do maestro Carlos Prazeres, diretor artístico da OSBA. Como solista convidado, o premiado pianista carioca radicado nos Estados Unidos, José Feghali. O programa da noite inclui peças dos compositores Dmitri Shostakovich (1906-1975) e Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).

Orquestra Filarmônica de Minas Gerais

Vivace I | 26 de fevereiro

Marcos Arakaki, regente
José Feghali, piano

O primeiro concerto da Temporada 2013 traz o premiado pianista brasileiro José Feghali interpretando o Concerto nº 2 de Saint-Saëns. Marcos Arakaki, nosso Regente Assistente, conduz a Orquestra na efervescente Sinfonia nº 9 de Shostakovich e no popular Bolero de Ravel.

AMARAL VIEIRA

Sons Inovadores

SAINT-SAËNS

Concerto para piano nº 2 em sol menor, op. 22

SHOSTAKOVICH

Sinfonia nº 9 em Mi-bemol maior, op. 70

RAVEL

Bolero

Orquestra Petrobrás Sinfônica

Março-22

Isaac Karabtchevsky, regente
 

Coro Sinfônico do Rio de Janeiro
GIUSEPPE VERDI
(200 anos de nascimento)
Quatro Peças Sacras
La Forza del Destino – Abertura
Nabucco – Va Pensiero
Il Trovatore – Coro dos Ferreiros
Aida – Abertura e Marcha
Triunfal

Orquestra Filarmonica do Espirito Santo

27/28-02-2013

Regente titular e diretor artístico: Helder Trefzger
Regente adjunto: Leonardo David

ABERTURA DA TEMPORADA: O CANTO DA NOSSA TERRA

• Chabrier – Fete Polonaise

• Delius – Spring Morning

• D’Indy – Sinfonia sobre um canto montanhês francês

• Villa-Lobos – Bachianas Brasileiras nº 2

Solista: GIULIO DRAGHI, piano

Regente: HELDER TREFZGER

 

Orquestra Sinfônica de Porto Alegre

Regente: Luiz Fernando Malheiro
Solistas: Daniella Carvalho (soprano) e Martin Muehle (tenor)
Parte I – Giuseppe Verdi
Abertura da ópera ”Luisa Miller”
Dueto “Io vengo a domandar grazie alla mia regina” da ópera ”Don Carlo”
Ária “Tu che le vanita conoscesti del mondo” da ópera ”Don Carlo”
Dueto “Già nella notte densa” da ópera “Otello”
Ária “Dio mi potevi” da ópera “Otello”

Parte II – Richard Wagner
Abertura da ópera “Die meistersinger von Nürnberg”
Preislied “Morgenlich leuchtend im rosigen Schein” da ópera ”Die meistersinger von Nürnberg”
Ária “Dich, teure Halle” da ópera ”Tannhäuser”
Finale do primeiro ato da ópera “Die Walküre”


Orquestra Sinfônica do Teatro Nacional (Brasilia)

Ano Brasil - Portugal

Regência: Cláudio Cohen

João de Souza Carvalho - Abertura da Ópera o amor indistrioso

Robert Schumann - Concerto para piano r orquestra em lá menor op.54

Solista - Burmester (Piano)

Mey Rosauro - 3 Episódios Sinfônicos ( estreia mundial)

Orquestra Filarmônica Bachiana SESI-SP

12-03-2012

Regente: João Carlos Martins

1ª parte
O Diálogo Ente Vênus, Azrael e Ogum, de Leonardo Martinelli
Concerto para Piano e Orquestra n° 22, K. 482, de Mozart
Solista: Arthur Moreira Lima

2ª parte
Sinfonia n° 41 – Júpiter, de Mozart

Orquestra Sinfônica da USP

23-13-2012

Regente: Wagner Polistchuk (Brasil)

Solista: Olga Solovieva (Rússia) – Piano

Liduino Pitombeira (1962)

Apassionata (2013) - 10’

Sergei Rachmaninoff (1873-1943)

Concerto para Piano nº 2 em Dó menor, Op. 18 (1901)

Ralph Vaughan-Williams (1872-1958)

Fantasia sobre um tema de Thomas Tallis (1910)

Richard Strauss (1864-1949)

Don Juan – Poema Sinfônico, Op.20 (1889)

Orquestra Sinfônica de Heliopólis 

16-03-2013
Regente: Isaac Karabchevsky 

Ludwig Van Beethoven
Concerto para Piano nº 4, op 37
Berenika Glixman Piano

Gustav Malher
Sinfonia nº 1, em ré maior "Titã"

Orquestra Sinfônica brasileira

23-03-2013

Regente: Roberto Minczuk

Yamandu Costa Violão

GYÖRGY LIGETI          Concert Romanesc YAMANDU COSTA / PAULO ARAGÃO          Tributo a Ernesto Nazareth OTTORINO RESPIGHI          Impressões Brasileiras, P.153 HEITOR VILLA-LOBOS          Bachianas Brasileiras nº 7

 

TheatrO Municipal de SP terá 48 récitas de ópera em 2013

IRINEU FRANCO PERPETUO  
COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

O Theatro Municipal de São Paulo terá 48 récitas de ópera em 2013, com venda de assinaturas, e seu diretor artístico, o maestro John Neschling, afirma que irá dobrar o número até 2016.

Em almoço com a imprensa, anteontem, no Municipal, Neschling antecipou a programação da casa para este ano e explicou seus planos de restruturação administrativa da instituição, ao lado do novo diretor administrativo do teatro, José Luiz Herencia.

Haverá dez concertos da Orquestra Experimental de Repertório e 14 da Orquestra Sinfônica Municipal, trazendo convidados como os regentes Rinaldo Alessandrini e Aleksandr Vedérnikov, o pianista Pascal Rogé e a soprano Fiorenza Cedolins.

O Balé da Cidade deve fazer três produções, em abril, julho (celebrando o centenário de "A Sagração da Primavera", de Stravinsky) e setembro, enquanto o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo executa a integral de Beethoven na Praça das Artes.

A primeira ópera do ano é "Ça Ira", de Roger Waters, em maio, seguida por "The Rake's Progress", de Stravinsky, no mês seguinte, com regência de Jamil Maluf.

Em agosto, Neschling rege "Aida", de Verdi, em produção do cineasta turco Ferzan Ozpetek, estreada em Florença, em 2011.

Em outubro, Victor Hugo Toro, assistente musical de Neschling, rege um programa duplo com "Cavalleria Rusticana", de Mascagni, e "Jupyra", de Franscisco Braga, com Eliane Coelho no papel-título.

No mês seguinte, o primeiro "Anel" wagneriano de São Paulo tem continuidade com "O Ouro do Reno". A temporada fecha em dezembro, quando Neschling rege "La Bohème", de Puccini, em produção do Teatro Real de Madri, dirigida por Giancarlo del Monaco.

 

PARA 2014

No ano que vem, o maestro planeja reprisar "Bohème", "Aida", e encenar títulos como "Carmen", de Bizet, "Siegfried", de Wagner, "Ainadamar", de Golijov, e "O Diálogo das Carmelitas", de Poulenc.

Para 2014, está prevista ainda a inauguração do terceiro módulo da Praça das Artes, que integra com o Municipal um complexo cultural no centro da cidade. O novo módulo terá uma sala sinfônica com aproximadamente 900 lugares.

A reportagem visitou a Praça das Artes na tarde de anteontem e se deparou com um cenário de precariedade -nem os elevadores estavam funcionando.

A Folha apurou que, devido a falhas no saneamento, caminhões passaram o último final de semana a retirar dejetos do local. 

Fonte: www.folha.uol.com.br